Semesterdaten

Rückmeldezeiträume:

für das Sommersemester 15.01. – 15.02.
für das Wintersemester 01.07. – 15.08.

Vorlesung | Lecture: Die verdoppelte Leinwand. Was Bilder in Bildern zeigen | Canvas on Canvas, Screen on Screen. What Pictures within Pictures Show
Prof.'in Dr. Barbara Filser
Dienstag, 17.30 - 19 Uhr
1. Termin: 27.10.2026
Fritz-Haller-Hörsaal

Die Vorlesung widmet sich Bildern, die selbst Bilder zeigen oder ihr eigenes Bild-Sein zur Schau stellen und in der Kunstgeschichte als „selbstbewusste Bilder“ (V. Stoichita) oder Metamalerei diskutiert werden. Darunter fallen Darstellungen des Schweißtuches der Veronika, des Heiligen Lukas, der die Madonna malt, von Bilderstürmen, Kunstkammern, Galerien und Ateliers sowie Maler:innen bei der Arbeit. Als Bilder von Bildern sind solche Bilder zugleich auch Bilder über Bilder, die das Verständnis und die Funktion des Bildes und der Kunst zu ihrer jeweiligen Entstehungszeit reflektieren. Beispiele dafür findet man in der Malerei aller kunsthistorischen Epochen, aber ebenso in der Fotografie und im Film.

The lecture looks at pictures that show pictures as their motifs or display their own status as pictures and are discussed as “self-aware images” (V. Stoichita) or meta-painting in art history. These include depictions of the veil of Veronica, of Saint Luke painting the Virgin, iconoclastic acts, cabinets of curiosities, galleries, and studios, as well as painters at work. As pictures of pictures such images are also pictures about pictures, which reflect the understanding and functions of the image as well as of art at the time of their creation. Examples can be found in painting from all periods of art history, but also in photography and film.

Seminar: YouTube vor dem Internet? Das Archiv des Videokollektivs Raindance Corporation | You Tube before the Internet? The Archive of the Raindance Corporation Video Collective
Prof.'in Dr. Barbara Filser
Mittwoch, 9.45 - 11.15 Uhr
1. Termin: 28.10.2026
Seminarraum Kunstgeschichte
Gute Englischkenntnisse sind Voraussetzung, da zentrale Texte sowie die Videos ausschließlich in englischer Sprache vorliegen.

Die Mitglieder der Raindance Corporation begannen Ende der 1960er Jahre mit den damals neu auf den Markt gekommenen tragbaren Videosystemen zu experimentieren. Anliegen war, der Medienrevolution, die das Fernsehen in der damaligen Zeit bedeutete, gerecht zu werden. Wie die Gruppe die Bedeutung dieser Medienrevolution für Kommunikation, aber auch Kognition auszuloten versuchte, arbeiten wir in dem forschungsorientierten Seminar unter Zuhilfenahme programmatischer Schriften aus überlieferten Videos des Kollektivs heraus. Wir sichten und recherchieren dabei wissenschaftlich größtenteils noch unerschlossenes Material aus dem Bestand des ZKM Karlsruhe und leisten so grundlegende Forschungsarbeit, die in die Sammlungsdatenbank eingebracht wird.

At the end of the 1960s, members of the Raindance Corporation started experimenting with the portable video systems that had just been introduced to the market. The collective’s aim was to do the media revolution justice that television represented at the time. In this research-oriented seminar, we analyze how the group explored what this media revolution meant for communication, but also cognition in what has survived of their work with video, using the Raindance Corporation’s programmatic writings as a point of departure. We will research archival video material from holdings at the ZKM Karlsruhe that has not been fully described yet and thus conduct fundamental research that we will add to the collection database.

Seminar: Die Fotografie in der Kunst der 1960er und 1970er Jahre | Photography in the Art of the 1960s and 1970s
Prof.'in Dr. Barbara Filser
Donnerstag, 15.45 - 17.15 Uhr
1. Termin: 29.10.2026
Seminarraum Kunstgeschichte
Englischkenntnisse sind erforderlich, da wichtige Literatur zu einzelnen Künstler:innen nur auf Englisch vorliegt.

In den 1960er und 1970er Jahren setzten Künstler:innen vermehrt Fotografien in ihren Arbeiten ein. Eine solche „Kunst mit Fotografie“ (Rolf H. Krauss) wurde in der zeitgenössischen Kunstkritik von der künstlerischen Fotografie abgegrenzt, die gerade erst die Anerkennung der Kunstwelt errungen hatte. Diese Entgegensetzung wird als Ausgangspunkt für eine Diskussion der Verwendung von Fotografien sowie der Rolle und Auffassung(en) der Fotografie in künstlerischen Praktiken aus dem genannten Zeitraum dienen. Im Fokus stehen dabei u.a. Konzeptkunst, Land Art, Aktionskunst und Body Art und Künstler:innen wie Vito Acconci, Jan Dibbets, VALIE EXPORT, Richard Long, Gina Pane, Martha Rosler, Ed Ruscha, Robert Smithson und Michael Snow.

In the 1960s and 1970s artists increasingly incorporated photographs in their work. In contemporary art critical discourse, such an „art with photography“ (Rolf H. Krauss) was differentiated from art photography, which only recently had achieved acceptance by the art world. This debate serves as point of departure for a closer look at how photographs were used in artistic practices at the time and how the role of photography and photography itself were defined in the process. We will look at examples from Conceptual Art, Land Art, Performance and Body Art among others and artists like Vito Acconci, Jan Dibbets, VALIE EXPORT, Richard Long, Gina Pane, Martha Rosler, Ed Ruscha, Robert Smithson, and Michael Snow.

Seminar: Kritische Kunstgeschichte: Feministische Perspektiven | Critical Art History: Feminist Perspectives
Prof.'in Dr. Barbara Filser
Donnerstag, 11.30 - 13 Uhr
1. Termin: 29.10.2026
Seminarraum Kunstgeschichte
Gute passive Englischkenntnisse sind Voraussetzung, da einzelne Seminartexte nur in englischer Sprache vorliegen.

Wie gestaltet sich eine feministische Perspektive in der kunstwissenschaftlichen Forschung und welche konkreten Fragestellungen und Themen verbinden sich damit im Blick auf Kunst, Kunstwerke, künstlerische Produktion und Rezeption und nicht zuletzt auf die Kunstgeschichte selbst? Das soll im Seminar durch die Lektüre und Diskussion exemplarischer Beiträge aus der Geschichte der feministischen Auseinandersetzung mit Kunst, kunsthistorischen Traditionen und Methoden herausgearbeitet werden. Vorgestellt wird die Beschäftigung u.a. mit der institutionellen Marginalisierung von Künstlerinnen in der Praxis und in der Kunstgeschichtsschreibung, Künstler-Mythen, Frauen- und Körperbilder und der Frage nach einer spezifisch weiblichen Kunst.

What does a feminist perspective in art historical scholarship look like und what specific questions and issues are raised in relation to art, individual works of art, their reception, artistic production, and, not least, art history itself? This will be explored in the seminar through the (close) reading and discussion of representative texts from the history of feminist analyses of art as well as art historical traditions and methods. Among other topics, selected texts explore the institutional marginalization of female artists in practice as well as in art historiography, myths of the artist, portrayals of women in art, images of the body and the question of whether there are art forms that can be considered specifically feminine.

Seminar: Lichtfarben. Theorie und Wissen für die Kunst | Light Colors: Theory and Knowledge for the Arts
Apl. Prof. Dr. Dr. Erna Fiorentini
Dienstag, 14 - 15.30 Uhr
1. Termin: 27.10.2026
Seminarraum Kunstgeschichte
Die Teilnahme an der ersten und letzten Seminarsitzung ist verpflichtend!
Attending the first and last sessions is mandatory!

Farbe ist ein Material der Kunstpraxis und zugleich auch theoretische Überlegung über Licht und Wahrnehmung sowie über die Kontrolle der Wirkung von Pigmentfarbe in Bildern. Wir untersuchen diese Licht- und Farbkonzepte in ihrer Geschichte anhand von Bildern und Texten. So befragen wir z.B. die Grundlagen der Farbenlehre und die Physiologie des Farb­ensehens; die Farbenlehren von Theoretikern und Künstlern wie Newton, Goethe, Runge, Turner und die Präraffaeliten; außerdem die wissenschaftlichen Farbtheorien Maxwells, Helmholtz‘ und Chevreuls und die Farbe beim Neoimpressionismus; schließlich die Farbenlehre am Bauhaus (Kandinsky, Albers, Itten) bis hin zu digitalen Farbideen.

Color is both a material of artistic practice and a subject of theoretical reflection on light and perception, as well as on the control of the effects of pigmented color in images. We examine these concepts of light and color throughout history using images and texts. For example, we explore the fundamentals of color theory and the physiology of color vision; the color theories of theorists and artists such as Newton, Goethe, Runge, Turner, and the Pre-Raphaelites; furthermore, the scientific color theories of Maxwell, Helmholtz, and Chevreul, and the use of color in Neo-Impressionism; and finally, color theory at the Bauhaus (Kandinsky, Albers, Itten) through to digital concepts of color.

Seminar: Pigmentfarben. Kunstgeschichten und Kulturen | Color Pigments: Art Histories and Cultures
Apl. Prof. Dr. Dr. Erna Fiorentini
Dienstag, 15.45 - 17.15 Uhr
1. Termin: 27.10.2026
Seminarraum Kunstgeschichte
Die Teilnahme an der ersten und letzten Seminarsitzung ist verpflichtend!
Attending the first and last sessions is mandatory!

Farbe hat Theorien in der Kunst und in verschiedenen Wissenslandschaften. Sie ist aber vor allem ein Material: Das Seminar kreist um die Pigmente, die die Basis der Farbe bilden. Wie wurden und werden sie hergestellt? Welche Bedeutung hatten und haben sie in der Kunst und welche Mythen sind mit ihnen verbunden? All diese Fragen haben wie die Farbpigmente selbst eine Kunst- und Kulturgeschichte, die wir im Seminar nachzeichnen wollen.

Color has been the subject of theories in art and various fields of knowledge. Above all, however, it is a material: This seminar focuses on the pigments that form the basis of color. How were they—and are they—produced? What significance did they have—and do they have—in art, and what myths are associated with them? Like the color pigments themselves, all these questions have a history in art and culture, a history that we aim to trace in this seminar.

Seminar: The Making of Andy Warhol: Werk, Mythos und Rezeptionsgeschichte | The Making of Andy Warhol: Work, Myth, and Reception History
Erec Gellautz, M.A.
Montag, 9.45 - 11.15 Uhr
1. Termin: 26.10.2026
Seminarraum Kunstgeschichte

Mit dem griffigen Slogan „I want to be a machine“ lieferte Andy Warhol 1963 im Interview mit ARTnews jene Formel, die zum Schlüsselzitat der Rezeption seines Werkes avancierte. Der Wunsch, eine Maschine zu sein, schien sowohl die serielle Bildproduktion, die kollaborativen Verfahren der Factory und auch die Abkehr vom expressiven Gestus des Abstrakten Expressionismus zu erklären. Der Satz entstammte einem redaktionell zensierten Gespräch, in dem Warhol auch sagte: „I think that the whole interview on me should be just on homosexuality". Diese Aussage blieb über fünf Jahrzehnte unbekannt. Exemplarisch zeigt sich hier ein Spannungsverhältnis von Produktionskontext und Rezeptionsgeschichte, dem wir anhand zentraler Werkgruppen der 1960er- bis 1980er-Jahre nachgehen werden. Warhol dient dabei als Referenzfall, an dem sich zeigen lässt, wie Kunstgeschichte ihre Gegenstände hervorbringt, ordnet und erzählt.

In a 1963 interview for ARTnews, Andy Warhol declared, "I want to be a machine" – a phrase that would become a key quotation in the reception of his work. The wish to be a machine seemed to account for his serial production of images, the collaborative processes of the Factory, and his departure from the expressive gesture of Abstract Expressionism. The statement, however, came from a censored interview in which Warhol also said, "I think that the whole interview on me should be just on homosexuality." This remained unknown for over five decades. The case exemplifies a tension between production context and reception history that we will trace through key bodies of work from the 1960s to the 1980s. Warhol serves here as a reference case for examining how art history produces, orders, and narrates its objects.

Übung | Practical Course: Das Geheimnis der Lithografie | The Secret of Lithography
Antje Bessau
Künstlerhaus Karlsruhe
Termine werden in Kürze bekanntgegeben.

Die im Jahr 1796 von Alois Senefelder erfundene Lithographie ist eine viel verwendete Drucktechnik, bei der ursprünglich mit einer fetthaltigen Kreide oder Tusche direkt auf eine Steinplatte gezeichnet wurde. Vorwiegend wurde diese Technik zur Herstellung von Druckmedien wie Plakaten, Etiketten, Illustrationen, Noten, Texten, Landkarten usw. verwendet, jedoch begegnen wir ihr auch in der Kunstgeschichte in allen Grafiksammlungen. Als Vorgängerin des Offsetdrucks, der den Steinduck ab den 30ger Jahren des 20. Jahrhunderts nach und nach abgelöst hat, wird die Lithografie heute jedoch aus wirtschaftlichen Gründen nur noch für künstlerische Zwecke genutzt.
Im angebotenen Kurs wird diese spannende Drucktechnik vorgestellt und die Teilnehmer*innen können selbst damit experimentieren. Vorkenntnisse sind nicht erforderlich.

Invented in 1796 by Alois Senefelder, lithography is a widely used printing technique in which, originally, a drawing was made directly onto a stone slab using a greasy chalk or ink. This technique was primarily used to produce printed materials such as posters, labels, illustrations, sheet music, texts, maps and so on, but we also encounter it in art history across all collections of prints. As the predecessor to offset printing – which gradually replaced lithography from the 1930s onwards – lithography is now, for economic reasons, used almost exclusively for artistic purposes.
This course introduces this fascinating printing technique, and participants will have the opportunity to experiment with it themselves. No prior knowledge is required.

Tagesexkursion: Der Tanz in der Kunst in der Kunsthalle Mannheim | Day Excursion: Dance in Art at the Kunsthalle Mannheim
Prof.'in i.V. Dr. Barbara Filser
Termin wird in Kürze bekanntgegeben

Unter dem Titel „Tanz!“ beleuchtet die Kunsthalle Mannheim die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Körper in rhythmischer, choreografierter Bewegung (13.11.2026 – 7.3.2027). Edgar Degas markiert den Beginn der ausgestellten Darstellungen des Tanzes, die über die Avantgarden des 20. Jahrhunderts bis heute reichen. Mit verhandelt werden dabei auch Körperideale und Vorstellungen von Identität und Geschlecht. Neben diesen Gesichtspunkten werden wir die Ausstellung auch daraufhin betrachten, wie Rhythmik und Zeitlichkeit des Tanzes in den Exponaten, die Malerei, Skulptur, Zeichnung, Bühnenkostüm, Installation, Video und Performance umfassen, zum Ausdruck kommen.

“Dance!” is the title of an exhibition at Kunsthalle Mannheim which explores the rendition of the body in rhythmic, choregraphed movement in art (November 13, 2026 – March 7, 2027). Beginning with Edgar Degas, the depictions of dance exhibited range from the avantgardes of the 20th century to the present day. The works also address ideal images of the body as well as notions of identity and gender. Besides these aspects we are also going to examine how the rhythm and temporality of dance are relayed by the works on show, which encompass painting, sculpture, drawing, costume design, installation, video, and performance.

Tagesexkursion: Fotografie und Surrealismus in der Staatsgalerie Stuttgart | Day Excursion: Photography and Surrealism at the Staatsgalerie Stuttgart
Prof.'in i.V. Dr. Barbara Filser
Termin wird in Kürze bekanntgegeben

Der Surrealismus zählt zu den prägenden künstlerischen Richtungen der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts und nutzte neben Literatur, Malerei und Bildhauerei auch Film und Fotografie. Der Fotografie hat die Kunsttheoretikerin Rosalind Krauss sogar eine zentrale Rolle für die gedankliche Fundierung des Surrealismus zugeschrieben. Krauss Text „Die fotografischen Bedingungen des Surrealismus“ aus dem Jahr 1981 wird uns als Grundlage dienen, dem Verhältnis von Surrealismus und Fotografie in der Ausstellung „Alles surreal?! Fotografie im Kosmos des Surrealismus“ (4.12.2026 – 11.4.2027) in der Staatgalerie Stuttgart nachzugehen.

Surrealism is one of the defining artistic movements of the first half of the 20th century. Besides literature, painting, and sculpture, Surrealism also made use of film and photography. Art theorist Rosalind Krauss even accorded photography a central role for the conceptual foundations of Surrealism. Krauss’s text “The Photographic Conditions of Surrealism” from 1981 is going to serve as our point of departure for exploring the relation between Surrealism and photography in the exhibition „Everything Surreal?! Photography in the Cosmos of Surrealism“ (Dec. 4, 2026 – April 11, 2027) at the Staatsgalerie Stuttgart.

Tagesexkursion: Interpretationen von Maria Magdalena in Frankfurt | Day Excursion: Images of Mary Magdalene in Frankfurt
Prof.'in i.V. Dr. Barbara Filser
Termin wird in Kürze bekanntgegeben

Der biblischen Figur der Maria Magdalena widmen das Städel Museum und die Liebieghaus Skulpturensammlung in Frankfurt am Main eine große Ausstellung, die unterschiedliche Deutungen dieser widersprüchlichen Frauengestalt präsentiert. Kunstwerke vom Mittelalter bis zur Gegenwart zeigen in „Maria Magdalena, Sin. Pray. Love“ (17.09.2026–17.01.2027) eine große Bandbreite an Darstellungen, in denen auch Vorstellungen von Weiblichkeit zum Ausdruck kommen. Besondere Aufmerksamkeit richtet sich auf die Interpretationen Maria Magdalenas durch Künstlerinnen. Ergänzend zum Ausstellungsbesuch werden wir gemeinsam die Dauerausstellung des Städel mit Fokus auf ausgewählten Darstellungen von Frauen erkunden.

The biblical figure of Mary Magdalene is the focus of a large exhibition at The Städel Museum and the Liebieghaus Skulpturensammlung in Frankfurt am Main, which presents different interpretations of this contradictory character. In “Mary Magdalene. Sin, Pray, Love”, art from the Middle Ages to the present day shows a broad range of interpretations, in which notions of femininity find expression as well. Special attention is given to images of Mary Magdalene by women artists. In addition to visiting the exhibition, we are also going to explore the Städel’s permanent exhibition with a focus on selected representations of women.

Tagesexkursion: Museum Frieder Burda – „Europa im Pop-Fieber“ | Day Excursion: Museum Frieder Burda – “Europe in Pop Fever”
Erec Gellautz, M.A.
Termin wird in Kürze bekanntgegeben

Mit der Ausstellung Europa im Pop-Fieber. Von Erró bis Sigmar Polke perspektiviert das Museum Frieder Burda, wie in der Kunst der 1960er- und 1970er-Jahre die Bildwelten der Waren-, Medien- und Konsumgesellschaft zum zentralen ästhetischen Verhandlungsgegenstand avancierten. Die Werkauswahl ermöglicht, Strategien der Aneignung, Transformation und kritischen Brechung populärkultureller Motive dies- und jenseits des Atlantiks vergleichend in den Blick zu nehmen. Wir spüren dem „Pop-Fieber“ nach, das sich weniger in einem einheitlichen Stil als in den heterogenen Bildsprachen von Pop Art, Nouveau Réalisme und Figuration Narrative manifestierte, in denen die Grenzen zwischen Alltag und Kunst durchlässig wurden.

With the exhibition Europe in Pop Fever: From Erró to Sigmar Polke, the Museum Frieder Burda examines how, during the 1960s and 1970s, the imagery of consumer society, mass media, and popular culture emerged as a central site of aesthetic inquiry. The selection of works invites a comparative exploration of strategies of appropriation, transformation, and critical subversion on both sides of the Atlantic. Together, we trace the “Pop fever” that found expression not in a unified style but in the heterogeneous visual languages of Pop Art, Nouveau Réalisme, and Figuration Narrative—distinct artistic movements that dissolved the boundaries between everyday life and art.

Tagesexkursion in die Staatsgalerie Stuttgart: „BÄNG! Radikale Künstlerinnen aus dem Archiv Sohm“ | Day Excursion to the Staatsgalerie Stuttgart: “BÄNG! Radical Women Artists from the Sohm Archive”
Erec Gellautz, M.A.
Termin wird in Kürze bekanntgegeben

Die Ausstellung BÄNG! Radikale Künstlerinnen aus dem Archiv Sohm zeichnet anhand von über 100 historischen Fotografien das Wirken von VALIE EXPORT, Charlotte Moorman, Yoko Ono, Yvonne Rainer und Carolee Schneemann in den 1960er- und 1970er-Jahren nach. Ihre Aktionen, Performances und Choreografien veränderten den Kunstbegriff nachhaltig; sie forderten den männlich geprägten Kanon, tradierte Geschlechterrollen sowie Vorstellungen von Körperlichkeit und Autor*innenschaft heraus. Die aus den Beständen des Archivs Hanns Sohm entwickelte Ausstellung eröffnet auch die Möglichkeit, über die Rolle der Fotografie zu diskutieren: als Dokumentation eines flüchtigen Ereignisses, als eigenständiges Bild(medium) und als konstitutiver Bestandteil performativer Kunst.

The exhibition BÄNG! Radical Woman Artists from the Sohm Archive traces the practices of VALIE EXPORT, Charlotte Moorman, Yoko Ono, Yvonne Rainer, and Carolee Schneemann through more than 100 historical photographs. Their actions, performances, and choreographies of the 1960s and 1970s fundamentally transformed the concept of art and challenged the male-dominated canon, traditional gender roles, and notions of the body and authorship. Developed from the holdings of the Hanns Sohm Archive, the exhibition also invites reflection on the role of photography: as a documentation of a fleeting event, as an autonomous visual medium, and as a constitutive element of performative art.